Réflexions

Changement d'adresse en cours

2009-11-13T10:19:00.002-05:00

Bonjour à tous! Ce blog déménage vers une interface plus simple pour moi et vers un environnement moins sombre pour vous (pas trop quand même). Ne vous gênez pas de vous exprimer si vous trouvez que ce changement est une erreur.

Http://maximeboisvertphoto.wordpress.com

Partionnement

2009-10-22T01:03:00.001-04:00

J'imagine que toutes ces idées disjointes finiront par s'unir dans un tour articulé.

Pourquoi je fais ce que je fais.

2009-10-22T00:57:00.004-04:00

Parce que les mots ne sont pas la seule façon de parler et que comprendre ne se limite pas à (pouvoir) mettre une étiquette sur le sujet.

Simplicité

2009-10-22T00:57:00.001-04:00

La simplicité est l'absolu à atteindre pour ensuite garder contact avec celle-ci. L'abstrait est une tentative - sinon l'ultime moyen - de démarche vers la simplicité, ou plutôt vers l'essence des choses, de l'existence... Car cette simplicité peut pêtre complexe, particulièrement si on tente de l'expliquer. L'abstrait, ne s'encombre pas de symboles, d'icones, ou tout autres éléments culturels qui biaisent notre perceptions. Ainsi est-il un moyen de toucher à l'indicible avec le moins d'interference possible (forme, sens, symbole, interprétation (socio-culturelle)) et de tenter de communiquer ce qui n'est pas forcément verbalisable. Par exemple, une émotion ne se communique pas bien en l'expliquant, mais en la vivant. Comme la célèbre phrase de St-Augustin à propos du temps qui dit qu'il sait ce que c'est jusqu'à ce qu'on lui demande de l'expliquer…

Citation II

2009-10-12T13:00:00.001-04:00

"Human purposes are pursued within an immense circling universe which does not seem to me to have purpose, in our sense, at all. Nature is much more playful than purposeful, and the probability that it has no special goals for the future need not to strike one as a defect. On the contrary, the processes of nature [...] are much more like art than like business, politics or religion. [...] No one imagines that a symphony is supposed to improve in quality as it goes along, or that the whole object of playing it is to reach the finale. The point of music is discovered in every moment of playing and listening to it." (Alan Watts, This is it, p. 32-33)

Alternatif: Qui permet une voie différente

2009-08-04T19:59:00.016-04:00

C'est Edward Hopper qui a dit «If you could say it in words there would be no reason to paint.»

La peinture a une histoire infiniment plus longue que la photographie, et la sagesse des peintres en est témoin. Je trouve en eux une plus grande force d'évolution et de compréhension qu'en la plupart des photographes, sauf exception. Kandinsky, Rothko, Koenig, Pollock, etc. sont ces peintres. Les quelques photographes qui ont un discours substantiel, juste et fort, ont rarement pu le traduire dans leur travail visuel. Minor White, Edward Weston et peut-être Brook Jensen entrent dans la catégorie des exceptions.

Pourquoi? Peut-être parce que les photographes sont eux-même mystifiés par leur médium? La photographie a été inventée pour créer des document visuel de la réalité. Et depuis, le caractère objectif de la photographie est assumé, inconsciemment ou pas, bien que celui-ci ne soit aucunement systématique. Alors les photographes s'occupent de l'aspect visuel de l'existence, tandis que les peintre, depuis l'avènement de la photo, s'en sont détaché. Pourtant, la photographie peut et doit servir à la modification de nos perceptions, à l'émancipation de notre compréhension. Les limites signifient entre autres que quelque chose se trouve au-delà de celles-ci, et la photo est un médium très limité; limite de dimension (ni profondeur, ni temps), limite de cadre, limite de sujet, etc. Et c'est en faisant l'expérience des limites que nous créons la dynamique de l'évolution. La documentation de la réalité a son utilité, mais celle-ci est du domaine du reportage, du journalisme, etc. L'Art est une forme de recherche alternative, qui s'occupe de champs laissés vacants et sans surveillance par les observateurs de surface. L'artiste étudie un spectre qui couvre les domaines du mystique, du philosophe, du scientifique, de l'intervenant social, etc. mais à un niveau et dans un mode de communication propre. L'Artiste a un devoir de différence. Même si ce n'est pas toujours possible. Son rôle est essentiel, car il est complémentaire à celui des spécialistes qui couvrent les mêmes sujets que lui. Il doit maintenir son altérité à cause de cette complémentarité qui est nécessaire à toute autre forme de recherche. L'Art est cet autre discours qui permet de compléter notre entendement. La science peut découvrir une formule permettant l'invention de la bombe atomique. Un artiste peut montrer la détresse douloureuse et intime hors de la portée de communication de la théorie ou même de la simple exposition objective des faits. En exemple, ces photographies de survivants d'Hiroshima par

Tômatsu Shômei.

L'Art, les arts, sont aussi une méthode d'exposer ce qui est hors de la portée des mots; un langage qui s'adresse à l'âme directement. Par exemple, la musique; quel langage est plus abstrait que celui-ci; des sons, des harmonies de sons, des rythmes, etc. Mais, malgré cet absence totale de signification rationnelle que nous exigerions d'une pièce de théâtre ou d'une photo, c'est la forme d'art la plus accessible et d'une façon universelle. Nous pouvons tenter d'expliquer pourquoi nous avons une relation si intime à la musique, mais cela n'en changera pas les faits. L'explication ne devrait pas être essentielle pour comprendre, accepter et assimiler une réalité. De la même façon qu'une harmonie musicale, les couleurs nous parlent, sans que nous sachions réellement pourquoi. Mais quelle est l'importance de ce pourquoi? L'important est la communication. Et je dis ceci, parce que je crois que nous devons comprendre et encourager le fait que l'Art se place dans un mode alternatif et qu'il est important à notre évolution en tant qu'individu, en tant qu'humanité. L'artiste peut s'intéresser aux mêmes sujets qu'un scientifique, mais il les abordera d'un angle différent, focalisera sur des éléments autres et communiquera ses conclusions sur un mode alternatif. Et il le doit; c'est ce qui fait de lui un artiste et pas un scientifique, ou un reporter, ou un amateur quelconque.

Laisser l'univers s'exprimer

2009-07-24T11:32:00.012-04:00

Il n'y a toujours qu'une dimension (ou plutôt 2) ; la surface. La 3e et la 4e, la profondeur et le temps (et les autres?) se résument tout de même dans la surface. Cependant, l'Univers offre l'infini : du microcosme au macrocosme, du possible à l'avéré, du passé à l'éventuel; et ensuite toutes les ramifications des perceptions de la conscience. Ceci peut aisément poser une problématique immobilisante au photographe; que photographier, sous quel angle, que exclure du cadre? Alors est souligné l'immense contrôle dont il dispose pour donner à voir, mais ce contrôle est une lame à double tranchant. En effet, se pourrait-il qu'il ait d'avantage comme conséquence de cacher plutôt que de révéler? Comme toute création est le reflet de l'approche du monde de son créateur, celui qui veut toucher de près à l'authenticité de l'existence peut en venir à douter sérieusement de ses capacités. On en revient alors à cette idée chère au zen et au taoïsme selon laquelle celui qui veut «accéder à ce niveau de conscience supérieur» (pour dire cela ainsi) doit d'abord se débarrasser du carcan de la connaissance traditionnelle, de la logique, de la raison, du catalogage des élément qui constitue son univers sensible. Laisser tomber ceci, car cela empêche l'univers de se manifester à l'individu tel qu'il est (tout ce qu'il est), car l'individu projette sa dite connaissance sur l'objet de cette connaissance. Ce type de connaissance tient plus de l'interprétation que de la réelle compréhension; celle qui dépasse les mots, les catégories, etc. En laissant tomber cette forme de savoir, qui est une forme de contrôle, l'individu se rapproche de l'authenticité, il réintègre sa place dans l'univers (il n'est plus un observateur extérieur), il touche à son harmonie inhérente. Cette idée se rapproche du Wu-Wei qui est la spontanéité versus le contrôle, la justesse versus la confusion morale, l'intuition versus la réflexion; un état de disponibilité naturelle. C'est être partie intégrante du monde et non pas une partie séparée qui, aux-prises avec sa conscience, se sens différent, indépendant, sans l'être réellement, et qui entre en conflit avec tout ce qu'il ne contrôle pas.

Le lien avec la photographie est que cette dernière peut être l'outil parfait pour isoler les éléments du tout, pour fausser une compréhension authentique du monde, pour en obscurcir la nature, pour contrer ce Wu-Wei, etc. Et la photo a trop souvent ce rôle. De mon côté j'essaie de me poser dans l'opposée de ceci. Par une ouverture la plus large possible, un regard non discriminatoire sur le sujet photographique, une élimination des préjugés quant aux résultats et leur pertinence, par l'effort de poser un regard neuf sur les choses, même sur ce que l'on croit connaître. Aussi c'est cette démarche qui motive mes derniers projets Nibelheim, Shémas, Désintégration, mais surtout Wu-Wei - dont cette image est tirée.
Se sont des séries qui se sont réalisées très rapidement, souvent moins de 45 minutes. Je me suis efforcé de laisser une très grande place à l'accident, pour laisser l'image se faire d'elle-même, laisser s'exprimer le sujet avec le moins d'intervention possible de ma part. Intégrer le mouvement au processus photographique; ne pas le brimer. Ne pas cadrer dans le viseur; ne pas faire ce choix; laisser les éléments prendre leur place d'eux-mêmes. Bien sûr; je choisis vers quoi je pointe ma caméra - l'idée est tout de même de créer une image regardable- mais je limite ce contrôle discriminatoire au minimum.

Laisser de la place à l'accident, parce que ce qui resurgit lorsque l'on relâche sa volonté, son contrôle est d'une essence qui est hors d'atteinte de la pensée consciente. Comme le dicton qui dit que l'on trouve lorsqu'on cesse de chercher. Donner plus de chance pour que puisse trouver son chemin jusqu'à nous ce qui normalement reste caché, ce qui normalement n'a pas de voix. Les forces cachées de l'univers, l'harmonie sous-jacente.

Décision

2009-07-10T22:09:00.009-04:00

On a toujours ce choix; suivre le courant, dire aux gens ce qu'ils veulent entendre, encourager la dynamique en cours ou bien, à l'opposée; se poser, réfléchir, écouter et découvrir notre vision propre, la développer et la proposer en alternative. Et au-delà de la proposer; lui donner une voix véritable, proportionnelle à la conviction que l'on a qu'elle est valable. C'est peut-être parce que c'est un choix difficile à assumer que la plupart des créateurs investissent leurs énergies dans la perpétuation du bien établi plutôt que dans le renouvellement. Celui qui apporte la nouveauté doit dépenser beaucoup d'énergie non seulement dans le développement de son art et dans sa diffusion, mais aussi dans le maintient de sa conviction contre l'insuccès. Je pense à Van Gogh, à Kandinsky, à Rothko, pour ne citer que ceux-là qui, forts de leur vision, ont persévéré malgré le désintéressement et parfois le mépris et même la pauvreté. Ils avaient pourtant énormément à apporter. C'est cet exemple qu'il faut suivre. Apporter la nouveauté et faire en sorte qu'elle soit acceptée pour ouvrir toujours plus d'horizons. Pourquoi ceci? Parce que la nouveauté est le mouvement, la vie, l'évolution.

L'Art n'a pas encore atteint son plein potentiel d'impact positif sur l'avancement de l'humanité et il est important de contribuer à réaliser ce potentiel. Négliger la nécessité de l'évolution c'est accepter la mort ou au mieux, la consanguinité. L'aisance dans la simplicité, la complaisance dans la conformité. L'art a cette capacité de faire évoluer les sens humains, ses perceptions, sa compréhension; et par là même il a le devoir de s'y efforcer, et c'est en présentant de nouveaux défis qu'il peut le faire et non pas en offrant le déjà vu déjà connu. L'individu a cette folle tendance à croire qu'il comprend parfaitement quelque chose qu'il a déjà vu et identifié, catalogué. Alors un contenu important présenté sous des formes connues est voué à être ignorer.

Comme dans Dune, où Paul-Muad'Dib s'engage consciemment dans un chemin qui mène au Jihad, carnage au sein même de la race humaine, malgré la nature terrible de ce but, car c'est ce que l'humanité a besoin pour se renouveler; comme dans cette situation romanesque extrapolée, l'Art visuel actuel a besoin d'un nouveau souffle. Pas que ce qu'il ait à présenter soit inintéressant, seulement il y a trop peu de place à la différence et ceci représente un danger; celui de la dégradation jusqu'à l'atrophie. Je ne sais pas s'il est encore possible de révolution à l'époque actuel; il semble que le nihilisme, la désillusion et l'inertie du Post-modernisme aient dilué cette volonté. Cependant l'Art, comme la vie, a toujours besoin de cassure, de destruction, pour renaître, car il a tendance à la dégénérescence, à la consanguinité, c'est-à-dire à un ralentissement de son mouvement. Ceux qui sont responsable de ce mouvement, les artistes, n'étant pas tous des visionnaires, ne cherchant pas tous l'avancement, ils tendent à immobiliser l'Art et répétant ce qui à déjà été fait. Ainsi, l'artiste doit combattre l'artiste pour rétablir une dynamique (temporaire, jusqu'à ce qu'elle ralentisse elle aussi et qu'il soit temps pour une autre cassure). Bien sûr ces 2 types sont essentiels même si contradictoires, car le mouvement n'est perceptible que grâce à l'immobilité; tout fonctionne par contraste. Ainsi tout ceci n'est pas un jugement de valeur; les deux sont nécessaires.

Idéalisme

2009-06-29T18:01:00.003-04:00

Le défi pour moi est de créer une image qui encourage un regard qui ne prenne pas en compte les circonstances de la prise de vue. Une image qui encourage naturellement le spectateur à se concentrer sur d'autres aspects, qu'ils soient inhérents à l'oeuvre ou que ce soit les échos de celle-ci résonnant en lui-même et qui l'amène à tourner son regard vers l'intérieur. J'ai conscience que c'est une volonté contradictoire avec celle de dépasser les apparences du réel - qui engendre des images techniquement particulières. La façon logique de procéder pour provoquer une appréciation de la photographie qui soit centrée sur l'objet et détachée des technicalités seraient peut-être de créer une image qui soit ou semble la plus classique possible, où la partie technique passe inaperçue, ne suscitant aucun questionnement qui soit susceptible de déconcentrer le lecteur de l'essentiel. Cette option cependant me paraît très limitative. Une autre option serait de créer une image qui soit si forte qu'elle créerait une résonance chez le lecteur et que tous ses sens seraient sollicités pour gérer l'impact de l'image et aucun ne serait libre pour se poser les questions peu utiles du où, quand, comment. Ces questions sont peu présentes dans d'autres arts et parfois pratiquement absentes - comme en musique - du moins de la façon qu'elles sont présentes en photo. Il est grand temps d'incorporer cette liberté en photo.

Citation d'un artiste fictif dans le film Stay

2009-06-28T12:19:00.004-04:00

«Bad art is more tragicaly beautiful than good art because it documents human failure.»

Tristan Reveur.

... Regardons maintenant l'art qui nous entoure avec cette idée en tête.

(en passant, très bon film. http://fr.wikipedia.org/wiki/Stay)

Signifier sans figurer, illustrer sans décrire.

2009-06-25T16:25:00.006-04:00

Qu'y a-t-il au-delà de ce que l'on sait que c'est? Tout. Et rien. Car ce que l'on perçoit n'est qu'une forme parmi d'infinies potentialités. Ce vers quoi cette forme renvoie est cette infinité; la forme ne doit pas limiter et obscurcir, mais stimuler et évoquer ce plus vaste, cet Autre, cette liaison parmi les différences...

Pour parler de l'humanité, nul n'est besoin d'en faire le portrait. L'oeuvre, peu importe ce qu'elle représente (si elle représente) et peu importe comment, a toujours comme sujet la dimension humaine. L'oeuvre est humaine à la base, car exécutée par l'homme et destinée à l'homme. Le but ultime de l'oeuvre étant cette relation qu'elle crée (ou doit créer) entre le spectateur et elle-même. C'est cette relation qui est importante par dessus tout et finalement c'est probablement ce qui peut donner sa «valeur» à l'Art. Par relation, je désigne cette dynamique, ce mouvement, ce changement qui s'induit dans l'âme du spectateur qui sera amélioration, éveil, remise en question et qui jouera - consciemment ou pas - au niveau de ses perception, de sa compréhension, de sa connaissance (de soi, des autres, du monde). Ainsi,l'oeuvre se doit d'être la plus riche possible (sans être surchargée) et que cette richesse ait un potentiel communicable au spectateur, pour qu'elle puisse ainsi remplir sa fonction de contribuer à l'évolution de l'humanité (même à la plus petite échelle). L'élément de liberté est aussi profitable dans une oeuvre; moins elle contraint à une seule interprétation, plus son impact a de chances d'être profond, car il encourage le spectateur à aiguiser ses perceptions et à les utiliser d'une façon créative. Ceci est possible dans l'art figuratif, mais peut-être d'avantage dans l'abstrait (et la poésie).

Cloisonnement

2009-06-19T11:36:00.003-04:00

Alice au pays des merveilles

Démarche générale

2009-06-10T12:06:00.002-04:00

La photographie peut nous désapprendre à regarder. À regarder comme nous avons appris à le faire, c'est-à-dire rechercher des éléments connus, pré-assimilés; regarder sans chercher à voir véritablement.

La photographie, qui à la base a été inventée pour créer des documents objectifs, rendant compte du réel, peut être utilisée pour contester ces limites mêmes qu'elle cherche à renforcer. Le fait qu'elle ait pour but de confirmer notre vision de la réalité - qui s'attache à la surface plutôt qu'à essayer de voir au-delà - donne encore plus de force à une démarche qui cherche à modifier notre relation au réel, à libérer nos perceptions de cette inertie.

Notre réalité visuelle (et conceptuelle) est la matière première du médium photographique. Le fait de la rendre méconnaissable ou du moins d'utiliser l'aspect du sujet pour en détourner la signification est un moyen d'abattre les frontières de nos perceptions, de solliciter les autres outils de compréhension qui sont à notre disposition et donc de créer un élargissement de notre réceptivité. Cette ouverture réceptive est un des fondements essentiels sur lesquels doivent se construire une nouvelle humanité; plus libre, plus consciente, plus créative, plus confiante…

Mon père

2009-06-01T16:33:00.003-04:00

Dans une de nos discutions sur l'art, l'artiste. La seule personne avec laquelle je parle vraiment de ces choses.

Derrière le visage humain

2009-05-27T23:54:00.003-04:00

Fugitif

2009-04-29T02:50:00.004-04:00

«There is a point beyond which self-control becomes a form of paralysis.»

Alan Watts

La lumière n'a pas d'ego

2009-04-07T12:00:00.001-04:00

Évidences nécessaires

2009-04-04T15:54:00.005-04:00

Ouvre ton esprit, laisse les liens se faire, laisse ton imagination prendre le relais, laisse le contrôle à ton intuition. Cesse de contenir ton âme dans la cage de ta compréhension. As-tu réellement cette prétention de n'accorder d'importance qu'à ce que l'esprit peut saisir et catégoriser?

Peut-être que pour apprécier l'inconnu faut-il avoir conscience de sa vastitude imposante. Peut-être pour apprécier ce qui constitue notre univers sensible faut-il le considérer comme une faible partie de l'infini.

La raison est reine dans un domaine limité, on se doit de l'accepter et de la compléter avec nos sens, notre instinct et notre humilité. Il ne faut pas nier ces différentes parties complémentaires de notre être, comme nous ne voulons pas nous limiter nous-même. La rationalité que nous avons réussi à développer n'est pas l'outil ultime et incontestable de l'appréciation de la réalité.

Avec ce regard ouvert et unifiant, l'abstraction la plus confuse aura autant de sens (et peut-être plus) que la concrétude la plus plate et évidente.

La clé est une curiosité intense et une ouverture illimitée.

Projet de Bande dessinée en collaboration avec Alexandre Cormier-Denis

2009-03-30T00:44:00.006-04:00

C'est pour un concours, le thème est l'hiver. Désolé, je diverge un peu du but premier de ce blog. Cependant cette digression sera récupéré en servant d'exemple dans un article ultérieur. Patience...

Un projet de BD en collaboration avec Alexandre C-D

2009-03-20T23:49:00.003-04:00

Travail en cours: Extrait de mon prochain projet: Midgar

2009-03-14T16:13:00.005-04:00

À cet air tiède qui se meut

cette matière douce et sombre

se lie intimement

à l'abri de l'évidence

Tous les possibles,

reines tentaculaires et aveugles

couvrent leurs aspérités

éclairées de hasard

Ces mains immenses

et infinies

se tordent et se serrent

sous les voutes multiples

d'un saccage bien construit

Un goût de feuilles mortes

un résidu de silence

rythmé sans harmonie

Aux portes de la conscience

2009-02-26T14:30:00.005-05:00

En relisant un extrait du livre de Brooks Jensen, je suis tombé sur une phrase très forte; non dans ce sens où elle résume un idéal, mais plutôt qu'elle renvoie à la source de tout ce que je veux éviter dans ma vie. Cette phrase est donc structurante, car elle m'aide à verbaliser les fondements de ma démarche ainsi que ce qui est pour moi la définition de l'artiste. À noter que cette phrase n'est pas de Jensen, c'est plutôt un dicton du domaine de la photo.

«If you can't make a great photograph of a mundane subject, at least make a mundane photograph of a great subject»

Beaucoup sont ceux qui suivent ce conseil en photo. On ne peut pas les en blâmer, c'est d'une extrême facilité que c'en est presqu'un réflexe pour n'importe qui a une caméra dans ses mains. On voit un beau coucher de soleil, on déclenche ; mais alors qu'est-ce qui est beau en vérité, la photo ou bien ce qui est photographié? C'est une perspective très angoissante pour un photographe qui veut avoir un peu de responsabilité dans la création .
Chaque définition est exclusive, c'est l'idée même de la définition. Ma définition de l'Art et de l'artiste exclue toute création qui peut être associé à la seconde partie de la citation. Pour certains le seul acte de création défini l'artiste, pour d'autres c'est le talent avec lequel la création est exécutée. Pour moi, cela définit le créateur, mais la définition de l'artiste nécessite quelques autres aspects; la création ne suffit pas. L'artiste est créateur, mais le créateur n'est pas forcément artiste. Ce dernier est celui qui pourra effectivement faire une superbe photo d'un sujet banal, mais idéalement ça ne se limitera pas à ça. L'artiste a une tâche, une mission. Ceci pourra paraître un peu mystique, mais... ainsi soit-il! L'Art est un ensemble de langages, Il peut s'appliquer à différents buts selon lequel de ces langage on utilise, ceux qui m'apparaissent les plus importants pourtant sont ceux qui s'emploient à l'avancement du genre humain, et c'est la pour moi le but ultime de l'Art, car ses forces et son rayon d'action lui sont propre et sa capacité à changer les êtres qui lui sont réceptif est très grande. Bien qu'il puisse agir au niveau de la rationalité et de la compréhension logique, sa grande force est qu'il a la possibilité d'agir directement sur l'âme et la conscience des êtres, que l'on pense à la musique ou aux différentes formes d'art thérapie. Kandinsky, avec sa théorie de couleurs peut être considéré comme l'instigateur de cette idée. L'Art a cette possibilité de créer des résonances dans l'intérieur même de l'être sensible, et ainsi peut être à la base d'un changement interne puissant chez l'individu. Il a la possibilité et la force potentielle de faire éclater les structures mentales trop rigides et limitatives, et libérer les perceptions trop étroites et faibles qui en découlent. L'Art est un outil de communication et d'apprentissage, pour le créateur comme pour le lecteur. Mais pour établir un pont parfait entre le l'artiste et son oeuvre et le récepteur, chacun doit exceller dans son domaine; l'artiste dans sa vision et son talent pour l'exprimer, et d'autre part, le lecteur doit prendre conscience de son pouvoir créateur, son rôle n'est pas passif; il ne doit pas attendre le changement, mais le chercher et y participer. Le rôle du récepteur est de se rendre disponible à l'oeuvre et au message, d'être attentif et ensuite travailler sur ce que l'oeuvre lui a permis de vivre. Comprendre, mais aussi, et surtout, sentir et ressentir et intégrer cela à sa vie quotidienne. L'artiste n'est pas là pour donner à voir, mais pour faire voir, faire voir des détails insoupçonnés de l'existence, ou faire voir cette dernière sous un angle différent. Je ne sais pas si je me répète, mais Paul Klee a dis: «Art does not reproduce visible, it makes visible.»

Urbanitude - 1

2009-02-22T15:15:00.002-05:00

2008-10-01T13:14:00.002-04:00

Derrière le mur (que je photographie) l'Univers. L'univers et son reflet, toutes nos visions chevauchantes et dérivantes. Des autoportraits sans soi et des paysages autobiographiques. Mon regard juvénile éclaté sur une matière distante, qui interprète et résume la surface de l'infini.

Spectre

2008-09-29T01:31:00.000-04:00

Cosmoglyphe

2008-09-26T01:58:00.003-04:00

Citation

2008-07-31T14:21:00.002-04:00

«Je pense que chaque artiste ou presque tente sans cesse de parvenir au bord du néant, là ou il est impossible d'aller plus loin.» (Harry Callahan) Démarche dangereuse dans la mesure où il serait possible d'y parvenir. Mon esprit se complaît dans la perspective où il est impossible d'arriver en un tel lieu, au bout de la route, soit qu'un tel lieu n'existe pas ou que le voyage serait trop long pour une vie humaine. Quel serait en effet le choc pour l'esprit humain de se heurter à une surface où il ne pourrait consumer son existence, laisser sa trace, créer pour simuler une signification à tout cela? Seul un immortel pourrait vraiment connaître le néant, et peut-être que l'immortalité advient lorsque l'on parvient au néant. Il m'apparaît pourtant improbable que ce soit un lieu différent de celui où l'on se trouve; nous devons y être déjà, en faire partie, seulement trop léger et immature pour pleinement l'habiter. Le néant est ici et ailleurs, et l'éternité est une aberration de langage.

Anecdote

2008-06-17T12:37:00.003-04:00

Je lisais et je n'étais pas concentré, je pensais à mon blog et je me demandais pourquoi continuer à y écrire, quel intérêt y avait-il à exposer ce que je pense, mes conclusions et mes questions. À la seconde où je me posais ces questions, voici le passage sur lequel je suis tombé: «Je ne crois pas qu'il soit indispensable à un philosophe de défendre sa vie durant une position rigidement cohérente. C'est une sorte d'orgueil de l'esprit que de s'interdire de «penser à haute voix» et de publier une thèse tant qu'on ne se sent pas en mesure d'en présenter une justification sans appel. Tout comme la science, la philosophie est une fonction sociale. On ne peut penser juste tout seul, et il est nécessaire de livrer sa pensée au public afin de profiter en retour de la critique. S'il m'arrive de donner à certaines déclarations un tour autoritaire ou dogmatique, c'est par souci de clarté et non pour jouer les oracles.» (Alan Watts, Supreme identity)

Sans m'identifier à ceci en me disant philosophe - loin de là - je crois que ceci s'applique beaucoup à ma situation, car cela me rappelle pourquoi j'avais commencé ce blog au début. C'était justement pour former ma pensée, pour me forcer à l'articuler et pour l'exposer aux intempéries à l'extérieur de ma boîte crânienne. Je croyait pouvoir faire de ce lieu un lieu d'échange, mais je me suis trompé. Partir ce blog seul et d'une façon très personnelle et pensant pouvoir y greffer d'éventuels collaborateurs était un peu naïf. C'était et c'est resté un lieu de réflexion personnel exposé à tous qui prennent le détour, une petite bouteille de verre où je suis le seul à glisser des messages par le goulot.

Pour revenir à la citation d'Alan Watts, je crois que cela s'applique bien à d'autre forme d'expression/réflexion. Par exemple, l'auto-critique, les exigences envers soi et sa création peuvent facilement être un frein à l'exposition de celle-ci. Vouloir s'améliorer, pousser plus loin, complexifier, synthétiser, perfectionner son oeuvre; tous ces désirs ne doivent pas constituer un blocage à l'appréciation de cette oeuvre, si en devenir qu'elle puisse être. Car est-on jamais en parfaite maîtrise de nos moyens (de réflexion et création), cesse-t-on jamais d'apprendre et de d'améliorer, peut-on jamais arriver à une extrémité où tout est parfait, bien dosé et sans faille, où le moment serait parfaitement idéal pour finalement révéler au grand jour l'«accomplissement ultime»? Je ne crois pas, pour moi la perfection fait référence à un état d'immobilité qui ne peut exister, car, même s'il était possible d'y parvenir, cet exploit se solderait par la mort, car je ne conçoit l'immobilité comme faisant partie de la vie.

Phrase anonyme

2008-05-11T00:37:00.004-04:00

«You never grow old, you become old by not continuing to grow.»

Ceci décrit très bien chez moi une angoisse, une obsession et de ce fait même un but et une motivation.

Paysages subjectifs

2008-02-17T21:27:00.002-05:00

Regard neuf

2008-02-17T19:55:00.006-05:00

Une certaine chose m'a toujours intéressé, percevoir, comprendre les choses telles qu'elles sont. C'est une idée que j'ai retrouvée plus tard, par hasard, en lisant sur le bouddhisme et le Zen. Certaines idées de cette philosophie sont très intéressantes et trouvent des échos particulièrement intéressants dans les arts visuels. Par exemple, l'idée de dualité. On a tendance, pour comprendre, à vouloir étiqueter, mettre un mot sur une chose. Ainsi, on a l'illusion de l'avoir saisie. Illusion parce que souvent le mot nous éloigne de ce qu'il désigne parce qu'il a une définition qui est fixe et limitée, ce qui n'est pas le cas de la réalité. Comprendre à travers les mots - ce qu'on fait généralement - induit dans notre perception du monde des dualités qui divisent ce qui est uni dans la réalité. Pour des fins de communication les mots et les définitions sont utiles, mais pour comprendre et faire l'expérience du monde, cela nous en éloigne plus souvent qu'autrement. On s'arrête au mot et on ne sent plus la réalité. Ce que je dis est un peu abstrait et confus, mais cela prend du sens avec le très lucide exemple de Magritte. La première fois que j'ai vu son tableau Ceci n'est pas une pipe, je me suis posé des questions sur sa santé mentale. Après coup, j'ai compris, ce n'est pas une pipe, c'est une peinture représentant une pipe. Ça a l'air évident, mais la confusion s'installe souvent. On croit avoir compris quelque chose dès que cette chose trouve référence dans ce avec quoi on a déjà eu contact et qu'on a catalogué. Ainsi on a rarement un regard neuf, on regarde toujours en essayant de repérer ce qui est identifiable. Rarement on essaie de voir, le plus souvent on essaie de reconnaître. C'est ce qui m'est arrivé la première fois que j'ai vu le tableau de Magritte; c'est une pipe, ok, next! Et c'est ici que le tableau prend toute sa force; le peintre a écrit bien lisiblement; Ceci n'est pas une pipe. Ah! Questionner nos perceptions, nos préjugés, nos mécanismes de compréhension; pour éventuellement s'en libérer et faire une expérience du monde plus directe, plus authentique. Voilà une des tâches de l'Art. Ceci ne veut pas dire que les mots, les définitions, les concepts n'ont pas leurs place et utilité, seulement, il ne faut pas confondre la Lune avec le doigt qui la pointe. C'est entre autre un grand problème de l'appréciation de la photo (dans le domaine artistique), c'est une représentation qui peut être tellement fidèle de la réalité qu'on oublie que la photo n'est pas ce qu'elle montre. Je suis toujours intéressé par les démarches qui touchent à cette problématique. Il y a quelques temps j'ai fait un projet qui voulait aussi questionner nos perceptions. C'est une série de photos abstraites où il est très difficile de jurer de ce qui a été photographié, avec un titre qui suggère un paysage qu'on peut retrouver avec de l'imagination dans l'image. Il n'y a pas de manipulation dans Photohsop autre qu'ajustement de contraste, couleur, etc. L'idée était de poser la question «que voyez-vous»? Ce que l'imagination projette sur une image abstraite (le paysage) ou ce qui a été photographié (matière plus ou moins identifiable). Ceci n'est pas de la tôle oxydée, c'est un sommet de montagne enneigé, ou bien l'océan, ou bien...

Quelques images...

2008-02-07T23:45:00.000-05:00

Pour ne pas parler dans le vide.

(Cliquez pour voir en grand)

Ajustement

2008-02-07T12:04:00.000-05:00

J'aimerais essayer de clarifier quelque chose. Un doute que j'avais déjà et qu'on a par la suite porté à mon attention.

Le fait de parler de la création et de ses environs peut sembler être une négation de sa dimension intuitive; le senti, l'inspiration, etc. Ceci est pourtant très loin de mes intentions. Pour moi cette dualité n'existe pas - ou ne le devrait pas - en ce sens qu'il n'est pas impossible de réfléchir et de ne pas être limité par cette réflexion. Comme l'apprentissage technique est important pour repousser les limites de la création - acquérir des compétences nouvelles pour atteindre un autre niveau - la réflexion sur la création peut avoir une raison d'être similaire. On peut toutefois se demander quelle est la vraie raison de parler de la création, si ce n'est pour intellectualiser, complexifier ce qui ne devrait pas l'être, c'est une question très légitime. Personnellement, je crois que je le fais, d'une façon très égoïste, pour mon propre plaisir. Pour paraphraser Brooks Jensen, je crois qu'il est important, pour évoluer et s'améliorer en photo, de pratiquer à chaque jour. Comme un musicien ne peut aller faire un concert sans avoir pratiqué quotidiennement son instrument, un photographe doit faire de la photo chaque jour. Mais ceci n'implique pas de produire des images chaque jour, mais de faire quelque chose de relatif à la photo, que ce soit de regarder des images, voir un documentaire, exercer son oeil en marchant sur la rue, travailler ses photos, lire sur la photo ou écrire sur la photo, etc.

La prison de nos conceptions

2008-02-06T15:46:00.000-05:00

Parce les chemins déjà tracés sont si facilement empruntables, il faut être prudent. Les idées reçues, les préconceptions sont là pour nous faciliter le contact au monde et, à cause de cette facilité nous les acceptons souvent trop rapidement, sans se questionner.

En tant que créateurs, il est important de remettre en question les lieux communs, les conventions. Pour dire quelque chose, il faut avoir quelque chose à dire et pour cette même raison on doit forger notre regard, notre approche, faire des choix les plus conscient possibles quant à notre rapport au monde, rester le plus indépendant possible pour avoir un regard frais sur les choses et les idées.

La photographie est un domaine qui est sans cesse objet de catégorisation. Tout le monde et n'importe qui, penseurs, spécialiste, ou bien mononcle, pensent savoir ce qu'est la photographie, pensent pouvoir la déterminer, l'expliquer, la définir avec ses caractéristiques, ses limites, donc la simplifier. Étrangement, même certains photographes s'y efforcent.

Il faut faire attention aux concepts. Pendant qu'ils semblent expliquer de façon juste et parfois irréfutable les aspects de l'existence, ils en nient (entre-au

tre)le caractère intrinsèque et fondamental qui est la non-fixité, l'impermanence, ils établissent des murs, des frontières, des oppositions, des dualités, qui souvent ne sont présents que dans l'esprit et ne se retrouvent pas dans la réalité, qui elle est vague, changeante et non-duelle.

Selon moi, la photographie échappe à toute catégorisation réductrice parce qu'elle embrasse la vie par son jeu avec le temps, l'espace, la vision, la perception intellectuelle et philosophique. Elle est aussi libre que l'être qui la pratique.

Par exemple, Alain Fleisher (photo ci-dessus), par ses images, contredit le très réducteur

concept de Roland Barthes selon lequel la photo n'existe pas en soi, elle n'est que l'image de ce qui a été à un certain moment. Fleisher, en composant des images qui se sont constituées dans le temps et non à un instant précis (qu'est-ce qu'un instant de toutes façons? 1/60e de seconde?) prouve le contraire, ce qu'il a photographié n'a jamais «été» tel qu'on le voit sur l'image.

Brooks Jensen a écrit ceci: «[creativity] [...] is a clarification of what could not be seen so easily without it.» Autrement dit, la «vision» de l'artiste est là pour montrer. «Art does not reproduce visible, it makes visible.» (Paul Klee).

Citation I

2008-02-06T00:30:00.000-05:00

Un photographe que je respecte beaucoup a dit quelque chose de très juste qui se rapproche un peu de ce que j'ai écrit dans «The best people make the best photographs». C'est un de mes contacts sur Photo.net, il s'appelle Jack McRitchie et demeure au Japon depuis une vingtaine d'années.

«Although I don't consciously impose any theme on my picture, it's inevitable that they reflect my outlook on life. I guess this is as true for me as for you or any of us. The idea of multi-dimensionality, that there is no set reality but rather an infinite number of co-existent interpretations and possibilities, is something that as long fascinated me because the implications are so profound. Photography seems an appropriate medium for investigating this idea since taking pictures is peculiarly dependent on how we see the world around us at particuliar moment in time. Each day's photography is an adventure hopefully carrying us into new and uncharted territory where the social blinders are slipped off for awhile and we see the world afresh.»

Palindrome

2008-02-04T17:39:00.001-05:00

Petite expérimentation d'un négatif Holga modifié.

Justification

2008-02-04T08:17:00.000-05:00

Pourquoi un blog qui se veut philosophique sur la photographie. Parce que la photo est une voie que l'on pratique et qui se poursuit au-delà de la technique et de l'éthique. La photo est un art technique, mais le développement de la connaissance technique n'a sa place qu'un temps seulement. Et la réflexion aussi. Ensuite doit survenir un lâcher prise, un désapprentissage où les détails techniques sont assimilés, complètement digérés et dès lors oubliés (transformés en réflexes) pour laisser toute la place à l'accident, à l'impromptu, au hasard, à l'erreur, à l'expérimentation, à la nouveauté; à la création.

«The best people make the best photographs»

2008-02-04T00:26:00.000-05:00

Cette citation de Morley Baer m'a particulièrement interpellé parce que j'y lis quelque chose qui approuve ma motivation en tant qu'apprenti photographe. Je ne crois pas qu'en disant cela Baer faisait un jugement de valeur et que seuls les bons chrétiens peuvent faire de bonnes photos. Je crois que cela signifie d'avantage que plus un être est accompli, développé, cultivé, sage, sensible, etc. plus il est en mesure de créer une oeuvre de qualité. L'oeuvre en soi n'est aucunement différente du créateur, elle en est indissociable; il s'est projeté en elle et elle est sa réflexion. Ainsi, les qualités, les caractéristiques du photographe qui peuvent sembler n'avoir aucun lien avec la photographie - par exemple sa connaissance de la mythologie grecque - sont aussi constituante de sa création, ont un impact aussi important sur celle-ci que, disons sa connaissance de Photoshop ou des lois de la composition. D'ailleurs, souvent les démarches les plus intéressantes sont influencées par des disciplines assez loin de l'art. Elles sont ainsi étoffés par une substance autre (philosophie, psychologie,etc.), prennent une profondeur beaucoup plus intense que la simple esthétique, et reviennent par ce détour pour interpeller directement le spectateur et le questionner, l'ébranler, l'émouvoir et induire dans sa conscience une dynamique qui prends sa force dans tous les acquis du créateur qui ont été canalisés dans l'oeuvre.

C'est entre autre cette idée qui me motive à faire ce blog, à encourager la réflexion malgré le danger de sur-intellectualiser. Évoluer en tant qu'être humains, apprendre, se questionner pour créer, toujours mieux, et non réfléchir pour douter éternellement ou pour tuer le mouvement de la création, se perdre dans des abstraction stériles et perdre le contact avec les autres et avec la vie elle-même.

Baptême du blog.

2008-02-03T20:53:00.001-05:00

C'est avec un peu de nervosité que j'entre dans le monde de l'auto-exposition, de la prétention et de l'ego. C'est une action pré-méditée. C'est moins par orgueil que j'en ai pris la décision que par désir de mettre sur le NET ce que je n'y trouvais pas. J'ai envie d'essayer de créer ce lieu de réflexion sur l'image et la création photographique que j'aurais aimer trouver.

Ce que je déplore en photo c'est ce fait qu'on perd beaucoup de temps et d'énergie à parler d'équipement et autres détails techniques. Il est bien-sûr nécessaire de traiter de ces sujets, le problème c'est qu'ensuite il ne reste que peu d'espace pour d'autres discussions, peut-être plus essentielles, sur le coeur de la photographie: l'être humain créateur de l'image. Dans la littérature photographique, il y a soit des guides techniques, soit des essais obscurs et hermétiques écrit par des universitaires tellement spécialisés qu'ils ont presque totalement perdu contact avec la vie et l'expérience du monde. Ma détresse existentielle (on s'entends ici que j'exagère) a pris fin lorsque je suis tombé sur un livre écrit par un photographe sur son expérience de la création photographique. Ce fut une lecture si enrichissante, stimulante, provocante qu'elle a acquis pour moi une importance immense. J'ai envie de contribuer à élargir l'espace réflexif, car j'imagine que si je crois que la réflexion peut aider dans la création, cela peut être vrai pour d'autres, qui trouveront peut-être ici un tremplin pour aller plus loin.